自然がもたらす精神的な共鳴
― 記憶の中の理想郷と静寂の構築 ―
Spiritual Resonance Brought About by Nature
- The Constructing Utopia of Memory and Silence -
私は、制作の過程で光学機器を用いるが、外界の事象をただ記録する「写真家」ではない。 私は光とデータを絵具として扱い、自身の内なる精神世界にある理想郷をキャンバス上に構築する「美術家（Visual Artist）」である。 私の作品は、物理的な風景の複製ではなく、日本人の深層に流れる美意識によって研ぎ澄まされた、祈りの形象化である。
私の制作の源泉は、日本古来のアニミズム（精霊信仰）にある。 豊かな水に抱かれた島国日本において、自然とは神々が宿る聖域であり、人間と連続した不可分の存在である。 それ故に、私はデビュー以来一貫して『水』を作品制作の核となるモチーフとして据え、その絶え間ない移ろいの中に、仏教や禅に通じる「無常（Impermanence）」や「幽玄（Yūgen）」といった、儚さの中に永遠を見出す日本独自の美学を投影する。 また、私の作品において、特定の時代や文明を感じさせる人工物が存在しないのは、現代社会を否定するためではない。 それは、鑑賞者を日常の時間軸から解き放ち、太古から続く普遍的な自然のリズムへと回帰させ、精神的な共鳴をもたらすための必然的な儀式である。
この精神性を視覚化するために、私は写真史よりも美術史、とりわけ日本の絵画的伝統にその系譜を求める。 画面内のすべての自然物が「主役（演者）」として振る舞う私のコンポジションは、江戸時代の浮世絵師・葛飾北斎や伊藤若冲が極めた、対象を大胆かつ緻密な「面」として捉える構成論の現代的解釈である。 また、作品に漂う静謐な叙情性は、フランスの画家カミーユ・コローが描いた、理想化された風景との対話から生まれている。 私は、彼ら巨匠たちが追い求めた美意識と、東山魁夷が追求した精神的な色彩の階調を現代の技術で融合させ、写実を超えた深淵な世界を構築する。
「神は細部に宿る（God is in the details）」 —— この信念のもと、私は肉眼の解像度を超えた微細なテクスチャーを採取するが、撮影された高精細なデータでさえ、私にとっては未完成の下絵（Sous-dessin）に過ぎない。 私は、作品を「記憶の中の理想郷」へと限りなく近づけるために、「ピクセル・ペインティング（Pixel Painting）」と名付けた独自の技法を用い、デジタルデータの最小単位であるピクセルレベル（Pixel level）で、色彩とコントラストの微細な調律を重ねていく。 この緻密な作業は、単に解像度を維持するだけでなく、「物質感（マテリアリティ）の劇的な向上」と「デジタル特有のノイズ（質感の欠如）の排除」を実現し、平面の写真に絵画のような物理的な深みとリアリティ、そして立体感を与える重要な役割を果たしている。 この膨大な時間を要するプロセスは、単なる画像の修正ではなく、かつて日本の職人が工芸品に込めた祈りのようなクラフツマンシップの実践であり、無機質なデジタルデータに物理的な質量と魂を宿らせる儀式である。 結論として、ピクセル単位の調律は、作品のなかに「圧倒的な視覚密度」を物理的に定着させ、鑑賞者に「写真を見ているのではなく、実在する理想郷（聖域）を目撃している」という強い錯覚と没入感を与える効果をもたらすのである。
水は、絶えず姿を変えながらも、その変容のなかに普遍の美を湛えている。 湧き出た水がやがて大河となり、海へと注がれ、再び天に還るように、私たちの心もまた、自然の営みと共鳴し、絶えず変容し続ける。 私の作品は、単なる風景画ではない。 それは、現代人が忘れかけた「自然への畏敬」を呼び覚まし、言葉を超えた静寂と癒しをもたらすための、魂の依り代（よりしろ）なのである。
藪崎次郎 | Jiro Yabuzaki
Spiritual Resonance Brought About by Nature
- The Constructing Utopia of Memory and Silence -
Although I utilize optical equipment in my production process, I am not a "photographer" who merely records external events. I am a "Visual Artist" who treats light and data as paint to construct a utopia that exists within my inner spiritual world upon the canvas. My work is not a reproduction of physical landscapes, but a manifestation of prayer, refined by the deep aesthetic consciousness flowing through the Japanese people.
The source of my creation lies in ancient Japanese Animism. In Japan, an island nation embraced by abundant water, nature is regarded as a sanctuary where gods dwell, existing as an inseparable entity continuous with humanity. Therefore, since my debut, I have consistently positioned "Water" as the core motif of my artistic production. Within its ceaseless transitions, I project a unique Japanese aesthetic that finds eternity in fragility—akin to the Buddhist and Zen concepts of "Mujō" (Impermanence) and "Yūgen" (Subtle Grace). Furthermore, the absence of artifacts suggesting any specific era or civilization in my work is not a denial of modern society. Rather, it is a necessary ritual to liberate the viewer from the timeline of daily life, returning them to the universal rhythm of nature that has continued since time immemorial, thereby inducing a spiritual resonance.
To visualize this spirituality, I seek my lineage not in the history of photography, but in the history of art, particularly in the traditions of Japanese painting. My composition, in which every natural element within the frame behaves as a "protagonist," is a modern interpretation of the compositional theories mastered by Edo-period Ukiyo-e artists Hokusai Katsushika and Jakuchu Ito, who captured subjects as bold yet intricate "planes" (surfaces). Additionally, the tranquil lyricism drifting through my work is born from a dialogue with the idealized landscapes painted by the French artist Camille Corot. Integrating the aesthetics pursued by these masters with the spiritual gradation of "Blue" sought by Kaii Higashiyama using modern technology, I construct a profound world that transcends realism.
"God is in the details." Based on this belief, I harvest micro-textures that exceed the resolution of the naked eye; yet, even such high-definition data captured by the camera is, to me, merely an unfinished sous-dessin (underdrawing). In order to bring the work infinitely closer to the "Utopia within Memory," I employ a unique technique I have named "Pixel Painting." This involves layering minute tunings of color and contrast at the pixel level—the smallest unit of digital data. This meticulous process plays a decisive role in not only maintaining resolution but also realizing a "dramatic improvement in Materiality" and the "elimination of digital noise (lack of texture)," thereby endowing a flat photograph with physical depth, reality, and three-dimensionality akin to painting. This process, requiring an immense amount of time, is not mere image correction. It is the practice of Craftsmanship—like the prayers once imbued into crafts by Japanese artisans—and a ritual to house physical mass and a soul into inorganic digital data. In conclusion, tuning at the pixel level physically fixes "overwhelming visual density" into the work, creating a powerful illusion and immersion for the viewer, as if they are "not looking at a photograph, but witnessing a real Utopia (Sanctuary)."
Water, while constantly changing its form, holds universal beauty in its transformation. Just as spring water eventually becomes a great river, pours into the sea, and returns to the heavens, our hearts, too, resonate with the workings of nature and are continually transformed. My work is not a mere landscape painting. It is a "Yorishiro" (a vessel for the soul) intended to awaken the "awe of nature" forgotten by modern people and to bring about silence and healing beyond words.
Jiro Yabuzaki