自然がもたらす精神的な共鳴
― 記憶の中の理想郷と静寂の構築 ―
Spiritual Resonance Evoked by Nature
- Constructing Utopia of Memory and Silence -
神は細部に宿る。 ―もしその言葉を信じるならば、絵画鑑賞における「適正な距離」という既成概念を捨て、私の作品に可能な限り肉薄してほしい。一般に絵画などの美術作品は、離れて見ることで像を結ぶ。しかし、私の作品においては、その概念は意味を成さない。私が提示するのは、視覚の限界を突破した「ゼロ・ディスタンス（Zero Distance）」。―すなわち、作品との距離が消滅し、被写体の深淵へと引き込まれる没入体験である。 肉眼の限界を超えた解像度で描かれた砂の一粒、葉脈の一筋、水飛沫の粒子。平面でありながら三次元的な奥行きと圧倒的な実在感を放つ画面に、私は、カメラという機械が捉えた単なる記録を超えて、「表現者としての徹底した手仕事の痕跡」を刻み込んでいるのだ。
一見、高精細な風景写真に見える私の作品だが、あなたが知っている「写真」ではない。 私にとって、撮影された生のデータは、未完成の下絵（Sous-dessin）に過ぎない。私はそこから、写真と絵画の境界にある「デジタル点描画法（Digital Pointillism）」という制作手法を用い、分子的構築 （Molecular Construction） と呼ぶべきプロセスへと踏み込む。デジタルデータの最小単位であるピクセル一つひとつに介入し、画家の筆致のように色彩とコントラストの調律を施す。岩肌には硬質な実在感を、水流には幻想的な滑らかさを。この気の遠くなるような作業は、単に解像度を上げるだけの補正とは一線を画す。デジタル特有の無機質なノイズ（質感の欠如）を徹底的に排除し、物質感（マテリアリティ）を極限まで引き上げることは、絵画のような物理的な深み・リアリティ・立体感を与えるために、決して譲れない矜持なのだ。 この膨大な時間を要するプロセスは、かつて日本の職人が工芸品に込めた祈りにも似たクラフツマンシップの実践であり、無機質なデジタルのデータに物理的な質量と魂を宿らせる「儀式」にほかならない。この儀式的な「調律」によって、作品はかつてない視覚的密度を獲得し、鑑賞者の眼差しは画面の質感に「触れる」ようになる（Haptic Visuality / 触覚的視覚）。その時、鑑賞者は「写真を見ている」という認識を忘れ、そこに実在する「聖域」へと没入する。
なぜ、そこまでして「描く」必要があるのか？ ―それは機械が記録した現実よりも、私の脳内にある「記憶」のほうが遥かに鮮明で、構造的な美しさを帯びているからだ。 かつて葛飾北斎や伊藤若冲が、大胆で独創的な構図を用い、あらゆる自然物を主役（演者）として躍動させたように。あるいは東山魁夷が、精神的な「青」を通じて静寂な叙情を定着させたように。私も同じく、写真史の文脈を超えて、先人たちが追い求めた美意識と「日本美術の系譜」を受け継ぎながら、現代のテクノロジーと現代的解釈を用い、記憶の風景を再構築する。
こうして生み出した作品に、特定の時代や文明を感じさせる人工物が一切存在しないことに、あなたは気づくだろうか。 これは現代社会の拒絶ではない。私の記憶に属さない「ノイズ」を徹底的に削ぎ落し、太古から続く自然のリズムだけを抽出するためである。それは、鑑賞者を日常の時間軸から解き放つために、譲れない必然である。 日本古来のアニミズム(精霊信仰)において、水辺や自然は、神々が宿る聖域であった。絶えず姿を変えながら循環する自然の変容に、日本人は無意識のうちに「無常（Impermanence）」や「幽玄（Yūgen）」の美を見出してきた。私は、そうした日本人の深層に流れる精神性をデジタルの光で可視化し、「現代の理想郷」として提示する。
目の前に広がるのは、単なる風景画ではない。 私の作品が、現代人が忘れかけた自然への畏敬を呼び覚まし、言葉を超えた静寂と癒しをもたらす「魂の依り代（Yorishiro）」とならんことを願う。 この静寂な理想郷が、あなた自身の記憶が還（かえ）る場所になることを。
目の前に広がるのは、単なる風景画ではない。 私の作品が、現代人が忘れかけた自然への畏敬を呼び覚まし、言葉を超えた静寂と癒しをもたらす「魂の依り代（Yorishiro）」とならんことを願う。 この静寂な理想郷が、あなた自身の記憶が還（かえ）る場所になることを。
美術家 | Visual Artist 藪崎次郎 | Jiro Yabuzaki
Spiritual Resonance Evoked by Nature
— Constructing a Utopia of Memory and Silence —
“God is in the details.” If you believe that saying, then I want you to discard the conventional notion of a “proper viewing distance” and come as close to my work as you possibly can. Paintings—and artworks in general—are typically meant to cohere into an image when seen from afar. In my work, that premise no longer applies. What I propose is Zero Distance: a mode of viewing that pushes past the limits of vision—an immersive experience in which the distance between viewer and work dissolves, drawing you into the depths of the subject. A single grain of sand rendered at a resolution beyond the naked eye; the trace of a leaf’s veins; particles of spray suspended in motion. Though the work is physically flat, the pictorial field radiates three-dimensional depth and an overwhelming sense of presence. Beyond the camera’s mechanical “record,” I inscribe what only an artist can: unequivocal traces of the hand—evidence of uncompromising, deliberate making.
At first glance, my works may appear to be ultra high-definition landscape photographs. But they are not the “photographs” you think you know. For me, the raw captured data is nothing more than an unfinished underdrawing (sous-dessin). From there, I enter a process that exists at the boundary between photography and painting—a method I call Digital Pointillism—and move into what might be described as Molecular Construction. I intervene in each individual pixel, the smallest unit of digital data, tuning color and contrast with the precision of brushwork: giving rock faces a hard mineral tangibility, and water a dreamlike smoothness. This dizzying labor is fundamentally different from retouching that merely increases resolution. To eliminate the digital medium’s sterile noise—its absence of texture—and to heighten materiality to its limit is a non-negotiable principle, because it is what grants the image physical depth, reality, and volume akin to painting. This time-intensive process is a practice of craftsmanship, reminiscent of the prayer-like devotion with which Japanese artisans once made objects of craft. More than that, it is a ritual—an act of endowing inert digital data with physical mass and a soul. Through this ritual “tuning,” the work acquires an unprecedented visual density, and the viewer’s gaze begins to touch the surface—haptic visuality. In that moment, you forget that you are looking at a “photograph,” and become immersed in a sanctuary that feels palpably present.
Why go to such lengths to “paint”? Because the world of memory in my mind is far more vivid—and possesses a structural beauty—than the reality a machine records. Just as Katsushika Hokusai and Itō Jakuchū used bold, original compositions to let every natural form step forward as a protagonist. Or as Kaii Higashiyama anchored quiet lyricism through a spiritual “blue.” In the same spirit, I work beyond the context of photographic history: inheriting the aesthetic pursuits of these predecessors and the lineage of Japanese art, while using contemporary technology and contemporary interpretation to reconstruct landscapes of memory.
You may notice that my works contain no man-made objects that would suggest a specific era or civilization. This is not a rejection of contemporary society. It is an attempt to strip away every trace of “noise” that does not belong to my memory, extracting only the rhythms of nature that have endured since antiquity. This is an indispensable condition for releasing the viewer from the timeline of everyday life. In Japan’s animistic traditions, watersides and natural places have long been regarded as sacred precincts—domains in which kami dwell. In the ceaseless transformations of nature—ever-changing, yet cyclical—Japanese sensibility has often unconsciously discovered the beauty of mujō (impermanence) and yūgen (mysterious depth). With digital light, I make this underlying spirituality visible, presenting it as a contemporary utopia.
What unfolds before you is not merely a landscape. I hope my work will reawaken a reverence for nature that modern life has made us forget, and become a yorishiro—a vessel and gathering-place for the spirit—bringing silence and healing beyond words. May this quiet utopia become the place to which your own memories return.
Visual Artist | Jiro Yabuzaki